Une bande-annonce qui n’en dit pas trop (une fois n’est pas coutume !), une nomination à l’Oscar 2012 du meilleur film étranger pour la Belgique et une très bonne rumeur. L’attente était donc grande pour ce premier film belge. Et l’attente est récompensée. La claque dans la gueule, le coup poing dans le ventre. Une vraie tragédie grecque sur fond de mafia, de trafic d’hormones pour bétail, de secret de famille et drame de l’enfance. Pour son premier film ce jeune réalisateur flamand a mis le paquet. Drame, comédie, satire sociale, polar, thriller, il y a de tout dans ce Bullhead. Un film et un personnage qui portent bien leur nom. Tout est bestial, massif, énorme. Pour un premier essai, on a rarement vu une mise en scène aussi solide, forte, mature, en un mot comme en cent : virtuose. Egalement auteur du scénario, Michael R.Roskam nous cloue sur place dès les premières images pour ne plus nous lâcher la gorge jusqu’à la dernière seconde. D’une épaisseur et d’une intensité folle, le film est aussi violent qu’il est poétique et rempli de moments de grâce, à la fois surréaliste et ancrée dans une réalité sociale quasi morbide. On ressort de la salle totalement estomaqué par ce que l’on vient de voir, avec un certain malaise, complètement sonné et groggy. Outre le metteur en scène et le film lui-même, l’autre grande révélation est l’acteur principal Matthias Schoenaerts. Il est tout bonnement ahurissant ! Une présence magnétique et un charisme qui crève littéralement l’écran et donne vie de façon magistrale à son personnage. Brute épaisse paraissant aussi puissante que sans cerveau, Jacky va, paradoxalement, peu à peu s’humaniser au fur et à mesure de sa descente aux enfers. Après le flash-back sur son enfance, il nous devient même on ne peut plus attachant, et on ne peut s’empêcher alors de le prendre en affection et d’avoir de la compassion pour lui. Une prestation et une performance qui restera comme l’une des plus fortes et des plus marquantes de ces derniers temps et de l’année. Il faut dire aussi qu’il est magnifiquement filmé (particulièrement dans la boite de nuit). Face à lui on retrouve une autre belle révélation en la personne de Jeroen Perceval. Dans un rôle ambigu, plus discret mais pas sans intérêt, il est aussi formidable dans son style. D’ailleurs l’ensemble du casting est parfait. Techniquement c’est également un sans faute. La photo est sublime, les images sont léchées, beaucoup de plans à couper le souffle : formellement le film est magnifique.

Plus qu’une surprise, Bullhead est une vraie expérience visuelle, quasi sensorielle et viscérale. A vivre autant avec les yeux que le cœur et les tripes. Le vrai premier gros choc de l’année. Impressionnant. Chef d’œuvre.

Le projet de toute une vie. Voilà ce qu’est Albert Nobbs pour Glenn Close. Après avoir joué le rôle sur scène en 1982, l’actrice n’a eu de cesse d’essayer de monter le film pendant trente ans (elle est productrice et co-scénariste). Son rêve est aujourd’hui réalisé et le film est sur les écrans. Elle est venue le présenter elle-même en avant première à l’UGC des Halles (la grande classe). Au sortir de la salle, le sentiment était plutôt mitigé voir négatif. Tant de temps pour arriver à cela ! Une mise en scène (de Rodrigo Garcia) tout, sauf originale, poussiéreuse et académique à souhait, un scénario tiré par les cheveux, plein d’incohérences et de non-sens (l’obstination du personnage a vouloir certaines chose alors qu’il n’en a pas vraiment besoins…), quelques scènes un peu « too much » (la plage…), un manque d'émotion… Mais…deux jours après je pense encore beaucoup au film. Finalement tout cela est-il peut être très cohérent. Le traitement correspond sans doute bien à ce que devait être l’époque et à l’histoire si elle avait vraiment eu lieu. Et puis on n’est pas venu voir Tootsie !  En y repensant, le film dure deux heures et je ne me suis pas ennuyé. Et surtout, je revois en permanence le visage de Nobbs/Close, effrayé, inquiet, impatient, plein d’espoir, bref, rétrospectivement très touchant. Tout comme cette histoire, tragique, d’une femme prête à tout pour survivre et réaliser son rêve. Une belle réflexion aussi sur l’identité sexuelle et la confusion des genres. D’ailleurs cela est tellement bien rendu, que durant tout le film, je voyais dans le personnage un homme et pas une femme déguisée en homme. Il faut dire que le maquillage est vraiment très bien fait. Un soin particulier est aussi apporté aux costumes, aux décors et à la musique très discrète. La photo, plutôt grise, est superbe et donne une belle ambiance à l’ensemble. Ce qui est indéniable c’est, bien sûr, la qualité de l’interprétation. Tous les seconds rôles sont impeccables (Mia Wasikowska, Aaron Johnson, Pauline Collins, Brendan Gleeson, Jonathan Rhys-Mayers). Un peu plus perplexe pour Janet McTeer, au jeu pas très fin, mais c’est peut être le rôle qui veut cela (nommée quand même à l’Oscar du second rôle féminin). Glenn Close est, quant à elle, absolument formidable. Le contraire aurait été étonnant. Tout en finesse et en nuances, en permanence sur le fil à fleur de peau, elle n’en rajoute jamais (en comparaison beaucoup moins lourd et voyeur que Meryl Streep dans La dame de fer). En espérant que l’académie voir la performance et la récompense, enfin, d’un Oscar dû déjà depuis tant d’année (et surtout pour Les liaisons dangereuses).

Même s’il n’est pas un grand chef d’œuvre, Albert Nobbs est un film qu’il faut laisser murir et qui fait son petit effet longtemps après l’avoir vu. Une histoire et un personnage attachants. Une très grande actrice.

Rodrigo Garcia Filmographie :

Un peu dans la lignée du récent Les Acacias voici donc le nouveau film de Fernando Leon de Aranoa le réalisateur espagnol des Lundis au soleil. Dans la morosité ambiante de ce début d’année décevant, son film fait figure de petit rayon de soleil. Il est plutôt réussi. Enfin en partie. L’idée de départ est excellente et bien traitée. La fin est aussi bien trouvée et surprenante. Par contre entre les deux, petit problème, on s’ennuie un peu. Une fois que tout est bien en place, le scénariste/metteur en scène n’arrive pas à combler l’espace entre ce début et ce dénouement. Quelques personnages apparaissent heureusement (la vieille pute au grand cœur…) et un certain humour décalé (un peu morbide tout de même) maintient un intérêt quelque peu chancelant. L’interprétation sauve aussi les meubles. Magaly Solier (Fausta, Blackthorn) est formidable. Une belle palette de jeu qui fait bien vivre son personnage nous la rendant crédible et attachante. Tous les seconds rôles sont impeccables. Au final malgré cette baisse de régime en son milieu, le film est une belle chronique sociale, tendre et drôle. Quelque chose de plus serré avec trente minutes de moins aurait été le bienvenue mais on passe tout de même un bon moment, c’est l’essentiel…

Trainant comme une âme en peine du côté de Beaubourg, je suis arrivé dans le hall du MK2 pour voir d’un peu plus près quel était ce film. La pluie commençant à tomber, ni une ni deux, je me suis retrouvé dans la salle, et là : paf ! Voilà enfin le premier film original de l’année, grosse surprise et énorme coup de cœur. Pour tout dire je n’avais entendu parler de la Beat Generation que de loin, plus pour Kerouac que pour Allen Ginsberg, inconnu au bataillon. Et donc encore moins pour son poème sulfureux et scandaleux (pour l’époque) Howl. Outre la découverte de cet univers, c’est avant tout une œuvre à la forme et au ton originaux que nous voyons là. Le film est un savant kaléidoscope autour du fameux poème (en prose) : le procès de l’époque contre l’éditeur (les excellents David Strathairn en procureur et Jon Hamm en avocat de la défense, Jeffs Daniels, Mary-Louise Parker, Alessandro Nivola et Treat Williams en témoins), un portrait de Ginsberg (magnifique, inspiré et parfait James Franco) sous forme d’interview, la lecteur du dit-poème en public par l’auteur et sous forme de dessins animés (photo, couleurs et montage superbes) collant parfaitement au texte. Tout cela est très intelligemment écrit et mis en scène par Rob Epstein et Jeffrey Friedman, réalisateurs venant du documentaire (The celluloid closet, The times of Harvey Milk…). Je dois avouer que dans les premières minutes, je ne comprenais rien au texte et que j’ai tout de suite pensé que cela allait être d’un ennui profond et une bonne branlette intellectuelle. Mais rapidement et sans s’en apercevoir, l’effet combiné de la mise en scène, du texte, de l’animation et du jeu des acteurs, a rendu le tout passionnant et totalement fascinant. Difficile d’expliquer plus, c’est comme devant Mulholland Drive : on ne comprend rien mais on est subjugué ! Moi qui ne suis pas très jazz, j’ai trouvé la musique formidable et parfaitement adaptée. Au final le poème prend un sens et chacun y verra sans doute ce qu’il veut bien y voir. Pour ma part ce sera un vibrant plaidoyer envers la liberté d’expression, la liberté (homo)sexuelle et la tolérance dans un sens plus large. Les faits datent de 1957 mais pourraient (et sont) encore (malheureusement) être d’actualité. Au final, une totale surprise pour ce film, le plus intéressant, le plus troublant et le plus excitant de ce début 2012 (ce n’est pas difficile vue cette année mollassonne qui commence). Aussi réussi sur la forme que sur le fond, Howl rentre, certes, dans la catégorie des films qui se méritent mais est à voir absolument…

Après le succès phénoménal de Mamma Mia, Phyllida Lloyd revient dans un style et avec un sujet totalement différent. Elle s’attaque au portrait de la seule femme anglaise premier ministre, la controversée Margaret Thatcher. Je m’attendais à bien pire et au final j’ai plutôt aimé le film malgré quelques défauts importants. Le premier est que l’on ressent d’entrée et tout le long du film de l’empathie voir de la sympathie pour le personnage. Alors que dans la vie elle ne devait pas du tout être comme cela. Le second point est que le film n’est pas suffisamment (et même pas du tout) incisif et manque singulièrement de mordant. Tout cela est plutôt gentillet, transformant l’histoire plus en conte de fée qu’en portrait corrosif qu’on aurait aimé voir. Tout le côté politique est survolé ou très édulcoré. Ce n’est pas vraiment un biopic, mais quelques moments choisis de la vie de la vieille dame de fer toute rouillée qui perd la mémoire. La mise en scène est très académique mais s’est efficace et on ne s’ennuie pas et c’est même parfois émouvant. Ce qui nous tient surtout en haleine c’est bien sûr le jeu de la grande Meryl Streep. Une fois de plus elle est absolument formidable. Bien que très aidée par le maquillage et les coiffures, elle se fond dans le personnage avec une déconcertante facilité. Elle est totalement bluffante. La 17è nomination aux Oscar n’est pas volée (pour moi grande favorite mais on a pas encore vu le film de Glenn Close). Finalement tout cela est très consensuel. Le même sujet entre d’autres mains de scénaristes et de réalisateur aurait pu donner un grand film, plus dans la veine de The Queen de Stefen Frears. A voir comme un bon divertissement et pas comme une vision objective de la réalité...