Nimer, un étudiant palestinien réfugié clandestinement à Tel-Aviv, rêve d’une vie meilleure à l’étranger. Une nuit, il rencontre Roy, un jeune avocat israélien. Ils s’éprennent l’un de l’autre. Au fil de leur relation, Nimer est confronté aux réalités cruelles de la communauté palestinienne – qui rejette son identité – et de la société israélienne – qui ne reconnaît pas sa nationalité. Sur fond de lutte familiale, politique et sociale, Nimer doit choisir entre son désir d’ailleurs et son amour pour Roy.

Programmé dans seulement deux salles parisiennes (et quinze en France), il ne faut donc pas trainer pour voir ce film israélien. Pour son premier long métrage, Michael Mayer nous offre une histoire intéressante et prenante bien que quelque peu bancale. On sent qu'il a voulu parler de beaucoup de choses. A la fois nous conter une belle histoire d'amour entre garçons, nous parler de la difficulté d'être gay en Palestine sur fond de conflit israélo-arabe et d'homophobie. Cela fait peut être beaucoup pour un premier film. Il nous parle de tous ces thèmes, forcément étroitement liés, sans vraiment en traiter un à fond, chacun faisant de l'ombre à l'autre. Il y perd du coup en puissance et en émotion. Malgré tout, dans ce contexte, on vit tout de même l’histoire intensément, la romance amoureuse se transformant inéluctablement en amour impossible et en tragédie pour se terminer comme un thriller. D'entrée on s'attache aux personnages, on espère pour eux, on vibre pour eux et on a tout de même le coeur bien serré à la fin. Ils sont interprétés avec conviction par Nicholas Jacob, le jeune étudiant palestinien (vraiment charmant) dont c'est le premier rôle et Michael Aloni, le jeune avocat israélien (vu dans Le policier et Infiltration).

Si Alata est un peu maladroit, il est certainement fait avec beaucoup de sincérité. Traité avec pudeur et sensibilité (et éloigné des clichés attendus), on est pourtant loin de la force de The bubble de Ethan Fox qui abordait un sujet assez similaire. Assez poignant tout de même...

Rome dans la splendeur de l’été. Les touristes se pressent sur le Janicule : un Japonais s’effondre foudroyé par tant de beauté. Jep Gambardella – un bel homme au charme irrésistible malgré les premiers signes de la vieillesse – jouit des mondanités de la ville. Il est de toutes les soirées et de toutes les fêtes, son esprit fait merveille et sa compagnie recherchée. Journaliste à succès, séducteur impénitent, il a écrit dans sa jeunesse un roman qui lui a valu un prix littéraire et une réputation d’écrivain frustré : il cache son désarroi derrière une attitude cynique et désabusée qui l’amène à poser sur le monde un regard d’une amère lucidité...

Après deux films formidables Il Divo et This must be the place (tous deux déjà en compétition à Cannes), Paolo Sorrentino nous revient aujourd'hui avec La grande bellazza. Ce nouvel opus, bien que très différent (quoi que) est tout aussi réussi (mais sans doute un peu moins puissant). Dans le rôle titre, il fait de nouveau appel (pour la quatrième fois) à Toni Servillo, impressionnant Giulio Andreotti de Il Divo. Une fois de plus, il est formidable. Si la prestation est plus discrète, moins ébouriffante, elle n'en reste pas moins remarquable. Tout le casting est d'ailleurs très convaincant (il paraît qu'Angelina Jolie fait une apparition mais elle doit être très furtive, je ne l'ai pas vue...par contre une actrice française apparaît dans son propre rôle). Servillo prouve qu'il est définitivement l'un des meilleurs acteurs de sa génération (en Italie et au-delà). Tout comme Sorrentino prouve qu'il est l'un des meilleurs réalisateurs actuels. Sa mise en scène est toujours aussi forte, maitrisée. Le scénario est foisonnant. Il nous dresse le portrait aussi intimiste que délirant d'un mondain qui, le jour de son 65è anniversaire, se retourne pour faire le bilan de sa vie. Constat forcément amer sur une existence remplie de futilité. L'ambiance est très particulière. Un mélange de scènes de fêtes, de sensualité, de souvenirs, de longues conversations sur la vacuité de la vie, de balades dans Rome (véritable personnage à part entière) et ses merveilles, nous offrant quelque chose de très particulier, parfois onirique et vaguement surnaturel. Des moments bouleversants, certains très drôles, d'autres touchés par la grâce, d'autres plus graves ou plus cruels mais jamais ennuyeux. Il y règne mélancolie, nostalgie et une certaine tristesse. Visuellement, l'ensemble est superbe et le tout est enrobé dans une bande son très présente faite de standards italiens et d'une belle musique originale.

Paolo Sorrentino nous offre donc un très beau film. Peut être moins fort que ces deux précédents mais on assiste là à une jolie chronique plus amère que douce sur le temps qui passe, inéluctable, sur la jeunesse envolée, et la vieillesse qui arrive, incontournable. Et un très beau portrait d'homme (c'est vrai on dit toujours « un beau portrait de femme »)...

Seymour, un jeune militaire américain en poste au Kosovo, est envoyé en permission pendant trois jours à Sofia. Le voyage se fait de nuit en bus. Il est accompagné de Roscoe venu négocier l'achat d'hommes et de femmes. Seymour loge avec d'autres soldats à l'hôtel Rodina, une sorte de bordel d'Etat de vingt étages. Dans l'établissement, il fait la rencontre de Mélania, une très jeune prostituée ukrainienne. Seymour veut la sortir de là...

Ce qui devait être une expérience sensorielle unique c'est très vite révélé être un vrai calvaire. L'ami Mymp, qui a prêté le DVD m'avait prévenu : il faut le voir le soir, dans le noir et le son très fort (au casque donc). J'ai donc tenté, partant plein d'espoir. Je suis toujours prêt (au cinéma) pour une expérience nouvelle, dérangeante et pas ordinaire. J'ai très vite déchanté. Il m'a fallut m'y reprendre à quatre fois pour le voir en entier, à chaque fois je m'endormais devant. Ne comprenant strictement rien au bout d'une demie-heure, je suis venu lire le synopsis sur Allociné pour m'éclairer un peu. Et même après cela, ce fut difficile. Visuellement, ça laisse perplexe aussi. C'est toujours très sombre, ou tremblotant, ou flou, ou derrière une vitre, ou la caméra est si proche des corps qu'on ne voit rien...Le son est en effet très important pour l'ambiance, mais il faut d'abord que les images fassent un certain effet, sinon cela ne sert à rien. Quant à l'interprétation, elle laisse tout aussi songeur. Et puis Anna Mouglalis n'est pas vraiment une de mes actrices préférées. Seule sa voix est assez envoutante, mais pas ici pour le coup, il n'y a pas de dialogues. Juste quelques mots ou brides de phrases, en français, anglais ou quelconque langue de l'est. Au final, un réalisateur qui a l'air de ne tourner que pour lui même et son nombril, en se foutant bien du spectateur et le laissant sur le bas côté de la première scène...Alors d'accord c'est conceptuel, expérimental, mais il y a des expériences qui laissent de marbre. Celle-ci fut plutôt mauvaise pour moi. Et pourtant j'ai bien aimé Post tenebras lux ! Peut être en salle sur grand écran, mais j'en doute...Une des pires purges de ma vie de cinéma...

En 1969, un groupe de militants radicaux appelés Weather Underground revendique une vague d’attentats aux Etats-Unis pour protester contre la guerre du Vietnam.
La plupart de ses membres furent emprisonnés, mais quelques-uns disparurent sans laisser de trace… Jusqu’à aujourd’hui. L’arrestation de Sharon Solarz, l’une des activistes, remet cette affaire sur le devant de la scène, au point d’attiser la curiosité du jeune et ambitieux reporter Ben Schulberg. Jouant de ses relations au FBI, il rassemble petit à petit les pièces du puzzle, le menant jusqu’à Jim Grant, un avocat apparemment sans histoires… Lorsque celui-ci disparait brusquement, le journaliste se lance sur sa piste, déterminé à le retrouver avant le FBI.

Le dernier film réalisé par Robert Redford vu en salle était Lions et agneaux et je n'en gardais pas un bon souvenir. Je suis donc allé voir ce nouvel opus surtout attiré par le casting étincelant (Susan Sarandon, Nick Nolte, Richard Jenkins, Julie Christie, Stanley Tucci, Chris Cooper, Anna Kendrick, Brit Marling...). Sans dire que cela a été l'euphorie, je dois reconnaître que j'ai passé un bon moment. C'est du bon cinéma, sans surprise, mais bien fait. Une mise en scène conventionnelle mais efficace, un scénario solide (bien que parfois un peu invraisemblable), des acteurs bien dirigés qui ont plutôt la classe (même si certains paraissant un peu vieux pour leur rôle, Redford en tête). On ne s'ennuie pas, le suspens est là bien qu'on voit très bien comment tout cela va finir. Un thriller classique, un peu « à l'ancienne », ni révolutionnaire ni innovant donc. Mais du bon boulot devant lequel on passe un agréable moment, même s'il ne restera pas dans les mémoires, ni le meilleur film de son metteur en scène...

Après quatre années de séparation, Ahmad arrive à Paris depuis Téhéran, à la demande de Marie, son épouse française, pour procéder aux formalités de leur divorce. Lors de son bref séjour, Ahmad découvre la relation conflictuelle que Marie entretient avec sa fille, Lucie. Les efforts d'Ahmad pour tenter d'améliorer cette relation lèveront le voile sur un secret du passé.

Après le succès public et critique phénoménal de Une séparation (Oscar, César et autres prix...), on se demandait comment aller rebondir Asghar Farhadi (découvert avec le très beau A propos d'Elly). C'est donc en France qu'il pose sa caméra pour son sixième long métrage. On doute toujours lorsque un réalisateur acclamé quitte son pays (surtout vers Hollywood). C'est parfois différent lorsqu'ils viennent en Europe. A l'instar de son compatriote Abbas Kiarostami avec Copie conforme, Farhadi réussit parfaitement son virage français. Finalement, à part la langue, peu de différences, ces thèmes de prédilection sont là (la famille, les enfants, les séparations, les disparitions...). Pourtant ce n'est pas gagné d’entrée. Le début m'a semblé long et ennuyeux et j'ai vraiment craint le pire. Plus encore que dans ses autres films, il prend le temps de mettre en place l'histoire et de nous présenter les personnages. Mais subrepticement, par petites touches, on entre dans cette histoire sans s'en apercevoir. Le scénario (trop écrit, ai-je entendu à la télé) nous emmène de révélations en coups de théâtre, transformant la dernière partie en véritable suspens. Les personnages ne sont jamais jugés. Ils sont tour à tour aimables, détestables, pitoyables, et sans vraiment s'y attacher, on les comprend et on ne les juge pas non plus. Où l'on voit que le film porte très bien son nom, le passé peut influencer terriblement le présent et surtout l'avenir. Marie est résolument tournée vers le futur et veut faire table rase de ce passé que les hommes ont beaucoup plus de mal à laisser filer. Les enfants sont ballotés au milieu du balai indécis des adultes, et en font les frais par ricochets.

La mise en scène et le scénario de Farhadi n'ont pas changé en changeant de pays. A la fois simple et d'une grande force, faisant la part belle aux personnages et à leurs sentiments. Même si le doute est sans doute celui qui les anime le plus. Les dialogues et la puissance dramatique font le reste. Sans parler de la direction d'acteurs encore une fois impeccable chez le réalisateur. Ses personnages sont parfaitement incarnés par des acteurs parfaitement dirigés. Bérénice Béjo m'a étonné. Je l'ai trouvé formidable, elle m'a même ébloui, alors que le personnage n'est pas forcément attachant, c'est très étrange. Paradoxalement on s'attache plus aux hommes. Ali Mosaffa (acteur et réalisateur iranien, mari de Leila Hatami, l’héroïne de Une Séparation) est très convaincant. J'ai découvert un Tahar Rahim (que je trouve très surestimé et que je n'apprécie pas particulièrement d'habitude) très touchant bien que le rôle soit un peu en retrait par rapport aux deux autres. Quant aux enfants, ils sont formidables. Que ce soit Elyes Aguis (le petit garçon de Rahim) ou Pauline Burlet, qui joue la fille de Béjo, très perturbée par la vie sentimentale de sa mère.

Je ne sais pas ce que va penser le jury cannois de ce nouveau film de Asghar Farahdi mais pour ma part, on frôle le chef d'oeuvre. Je l'ai vécu intensément. Je l'ai trouvé captivant, plein d'émotions (souvent contradictoires mais sans lourdeur ni pathos), d'une belle profondeur et d'une grande intensité (beaucoup de scènes m'ont noué l'estomac et m'ont mis les larmes aux yeux). J'en suis sorti un peu en vrac, et pour être franc totalement bouleversé. C'est rare, ça fait du bien et finalement cela ne tient pas à grand chose. En tout cas Le passé m'a bien parlé (peut-être parce que je n'arrive pas à me débarrasser totalement du mien...?). Puissant, fort, humain, intelligent, complexe tout autant que banal, dur, violent, noir et désespéré...En un mot passionnant...Le meilleur film français de l'année serait-il donc réalisé par un iranien ?...

Au Mexique, Juan et sa jeune famille ont quitté la ville pour s’installer à la campagne. Là, ils profitent et souffrent d’un monde qui voit la vie différemment. Juan se demande si ces mondes sont complémentaires, ou bien s’ils s’affrontent inconsciemment pour s’éliminer entre eux.

Après les ténèbres, la lumière. C'est ce que veut dire en français le titre de ce film du réalisateur mexicain Carlos Reygadas primé à Cannes l'an passé pour sa mise en scène. Le problème est que je n'ai pas vraiment vu la lumière. Mais des ténèbres, il y en a. Le film est sombre, tellement qu'on n'y voit pas grand chose. Je dois reconnaître que je n'ai pas tout compris. On assiste à l'histoire d'une famille mexicaine aisée vivant à la campagne, sur plusieurs décennies. Peut être. On le croit et puis plus. Le récit fait des sauts dans le temps, enfin, c'est ce dont on a l'impression. La première scène est magnifique mais terrible, elle m'a fichu la frousse. Il y en a par contre beaucoup d'autres dont on ne voit pas du tout la connexion avec le reste de l'histoire (un diable rouge fluorescent et sa caisse à outils -bien flippant-, si quelqu'un peut m'expliquer ça...peut-on vraiment s'arracher la tête tout seul...la France est-elle le pays des partouzes et des saunas...joue-t-on au rugby au Mexique...etc etc...). On peut donc dire que le scénario laisse perplexe, je suis sorti de la salle tout de même très dubitatif. Difficile du coup de se prononcer sur la mise en scène. Elle est plutôt élégante, mais on ne voit pas du tout où le réalisateur a voulu en venir. Se regarde-t-il juste le nombril ou a-t-il vraiment essayer de nous faire passer un message ? J'ai beaucoup pensé à The tree of life pendant la projection. Mais là où le film de Malick m'a profondément ennuyé (il n'y a pas de dinosaures ici mais beaucoup de chiens) et énervé, celui-ci a exercé sur moi une sorte de fascination (morbide?) qui fait que le film me hante depuis que je l'ai vu et que j'y pense très souvent. Visuellement c'est splendide, image au format carré et photo sublime, le son participant aussi grandement à l'ambiance un peu surnaturelle. Aussi beau techniquement que Les Hauts de Hurlevent de Andrea Arnold.

On ressent un peu la même sensation que l'on a devant un film de David Lynch. On ne comprend pas grand chose mais on est totalement fasciné et subjugué. Voilà donc un objet cinématographique non identifié, hors norme et hors du temps, qui nous bouscule et nous laisse pantelant. Une expérience visuelle et sensorielle très particulière. Peut-être parle-t-il simplement de la vie : celle qu'on a eu, celle qu'on fantasme, celle qu'on aurait pu avoir, celle qu'on vit...A classer bien sûr dans la catégorie des films qui se méritent. J'y suis allé sans trop en attendre, après les très mauvais échos de Cannes et des blogueurs qui, du coup, ont attisé ma curiosité, et finalement je ne le regrette pas du tout...

Il y a cinq ans, deux sœurs, Victoria et Lily, ont mystérieusement disparu, le jour où leurs parents ont été tués. Depuis, leur oncle Lucas et sa petite amie Annabel les recherchent désespérément. Tandis que les petites filles sont retrouvées dans une cabane délabrée et partent habiter chez Lucas, Annabel tente de leur réapprendre à mener une vie normale. Mais elle est de plus en plus convaincue que les deux sœurs sont suivies par une présence maléfique…

Mais qu'est donc venue faire Jessica Chastain là-dedans ? Premier accroc (et dans la production horrifique espagnole aussi) dans la toute jeune mais déjà riche filmographie de la nouvelle coqueluche d'Hollywood. Car cette Mama là est d'une banalité affligeante. Que ce soit sur l'histoire, la mise en scène ou les effets spéciaux. L'interprétation est à l'avenant et la belle rousse (ici brune) n'est pas du tout crédible. Une certaine ambiance a été préférée à un gore qui aurait peut être dynamité tout cela. Pourtant ça commence bien, tout le pré-générique est intriguant et l'on attend donc quelque chose de bien angoissant voir bien flippant. Il n'en est rien, et entre ce prélude et une fin presque réussie, on s'ennuie ferme tout le reste du temps. Et dire que le film a été couvert de prix au festival du film fantastique de Gérardmer...Bref, totalement dispensable, surtout si vous voulez avoir peur...

13 mars 1957 - 15 mai 2013

Printemps 1922. L'époque est propice au relâchement des mœurs, à l'essor du jazz et à l'enrichissement des contrebandiers d'alcool… Apprenti écrivain, Nick Carraway quitte la région du Middle-West pour s'installer à New York. Voulant sa part du rêve américain, il vit désormais entouré d'un mystérieux millionnaire, Jay Gatsby, qui s'étourdit en fêtes mondaines, et de sa cousine Daisy et de son mari volage, Tom Buchanan, issu de sang noble. C'est ainsi que Nick se retrouve au cœur du monde fascinant des milliardaires, de leurs illusions, de leurs amours et de leurs mensonges.

Depuis Ballroom dancing en 1992, et surtout depuis Romeo + Juliette, Baz Luhrmann se démarque par un style bien particulier. Chacun de ses films est un savant mélange de couleurs, de kitsch, de romance, de drame, de musique et de chansons en total décalage avec l'époque évoquée (cette fois le jazz côtoie le hip-hop et le R&B avec entre autres Beyonce ou Lana del Rey). Jusqu'ici c'était plutôt réussi et à chaque fois se dégageait une belle émotion. Mais ça passe ou ça casse, on aime ou on déteste. Pour ce nouveau long métrage, il adapte le fameux roman de F.Scott Fitzegarld Gatsby le magnifique. Mais là, il en a vraiment trop mis. La première partie est trop plein de tout et on atteint très vite l'overdose. Trop de couleurs, de décors, de musique assourdissante, d'effets spéciaux, de montage qui donne le tournis...trop trop trop...Cela se calme un peu avec l'apparition de Gatsby et le récit commence à avoir un semblant d’intérêt mais le tout est très mal exploité et ne décolle jamais. Le scénario ne tient pas la distance, la mise en scène est lourde. Pas de souffle romantique, pas de lyrisme, pas de passion, pas d'émotion, pas de puissance et aucun humour. Le casting somptueux (Leonardo di Caprio, Carrey Mulligan, Tobey Maguire, Joel Edgerton tous bien meilleurs par ailleurs) fait ce qu'il peut mais la direction d'acteurs a surtout laissé la place à la direction artistique. Les personnages ne sont pas du tout attachants, totalement superficiels et ennuyeux au possible. Du bling-bling clinquant complètement vide. Au final tout est raté. On comprend pourquoi ce Gatsby est hors compétition à Cannes (film d'ouverture seulement)...A zapper...

Une famille est retrouvée sauvagement assassinée dans une maison de la banlieue de Stockholm. Laissé pour mort, Josef, le fils aîné, devient le seul témoin du crime. Dans le coma, il ne peut être interrogé par l'inspecteur Joona en charge de l'enquête. Pour progresser, Joona demande à Erik Maria Bark, hypnotiseur, de tenter un contact avec le garçon. Alors qu'il devait ne plus jamais utiliser ses dons, Erik accepte et s'aventure dans l'exploration du subconscient du jeune garçon

Après une carrière hollywoodienne qui ne restera pas dans les annales, Lasse Hallström est rentré en Suède pour tourner son nouveau film. Et à l'instar de son collègue Danny Boyle, l'air du pays lui réussit plutôt bien. Il adapte ici un polar suédois (très en vogue depuis Millenium) qui, s'il n'est pas un chef d'oeuvre, mais n'en reste pas moins de bonne facture. Bien moins nerveux et trépidant que Trance (où il est aussi question d'hypnose), sorti le même jour, L'Hypnotiseur est par contre beaucoup plus facile à comprendre. Une histoire classique de vengeance familiale. Par un scénario écrit donc simplement, mais sans réelle surprise, et une mise en scène solide, mais sans grande originalité, le réalisateur impose d'entrée une ambiance pesante et mystérieuse. Après une terrible scène d'ouverture sanguinolente, le film prend un rythme assez lent mais l'intérêt ne retombe pas. La photo est belle et Stockholm superbement filmée. On sombrerait alors presque dans l'ennui quand les vingt dernières minutes décollent vraiment et nous mettent un vrai suspens haletant au ventre. Le casting suédois est bien dirigé, donc bien performant (la seule connue est Lena Olin, femme du metteur en scène, elle aussi par conséquent partie s'exiler quelques temps en Amérique). S'il ne restera sans doute pas dans les mémoires, ce nouveau film suédois de Lasse Hallström se laisse regarder avec plus de plaisir que de déplaisir et s'avère donc être un divertissement honnête...

Commissaire-priseur expert dans les œuvres d’art, Simon se fait le complice du gang de Franck pour voler un tableau d’une valeur de plusieurs millions de dollars. Dans le feu de l’action, Simon reçoit un violent coup sur la tête. À son réveil, il n’a plus aucun souvenir de l’endroit où il a caché le tableau. Ni les menaces ni la torture ne lui feront retrouver la mémoire. Franck engage alors une spécialiste de l’hypnose pour tenter de découvrir la réponse dans les méandres de l’esprit de Simon…

Après les déceptions Slumdog Millionaire et 127 heures, je persiste et suis tout de même allé voir le nouveau film de Danny Boyle. Il est revenu au pays pour le tourner après son escapade hollywoodienne et le casting était alléchant, j'avais donc un mince espoir. Contre toute attente, cet espoir s'est transformé en une belle surprise. J'ai vraiment beaucoup aimé et suis quasi entré en « Trance » en étant scotché dès le départ. Certes, les tics névrosés de mise en scène vus dans ses deux précédents films sont toujours là, mais le réalisateur anglais s'est tout de même calmé. Et cela est tout aussi bien, il se focalise ainsi un peu moins sur la forme et un peu plus sur le fond. Il faut dire que le scénario (co-écrit par l'auteur des quatre premiers film de Boyle, ceci explique peut être cela...) est un brun tarabiscoté. A force de vouloir démêler le vrai du faux, le réel des fantasmes, il ne faut pas décrocher sous peine d'être complètement perdu. On navigue ainsi dans une ambiance rappelant vaguement Inception ou Effets secondaires le dernier Soderbergh. De coups de théâtre en rebondissements, on ne sait plus qui manipule qui, et on ne voit pas vraiment comment tous cela va se terminer. Le trio d'acteurs en haut de l'affiche, le français Vincent Cassel, l'anglais James McAvoy et l'américaine Rosario Dawson, est aussi éclectique que convaincant. Ils sont bien dirigés, le scénario est astucieux (voir diabolique) et la mise en scène solide et maitrisée : voilà donc un suspens parfaitement huilé et terriblement efficace. Assurément l'un des thrillers de l'année, mais il lui manquera un petit quelque chose, un grain de folie ou de perversion supplémentaire, pour en faire le meilleur. Danny Boyle remonte donc tout de même largement dans mon estime...

Shira vit au sein d’une famille juive orthodoxe à Tel Aviv. À 18 ans, elle rêve de mariage. Lorsque sa soeur ainée Esther meurt en couches, Yochay, son beau-frère, est poussé par la communauté à partir se marier en Belgique. Sa mère a une meilleure idée : et si Shira épousait Yochay ? Entre le coeur et la raison, Shira devra choisir.

Dans la mesure du possible, je vais voir les films israéliens qui sortent sur les écrans parisiens. On est rarement déçu. Un peu à l’instar de Wadjda en Arabie Saoudite, voici le premier film réalisé en Israël par une femme juive ultra-orthodoxe. Un drame familial et amoureux dans la communauté hassidique de Tel Aviv. Par conséquent le film est plein de danse et de chant (particularité de la communauté), ce qui procure au film une atmosphère particulière, plus joyeuse et lyrique que dans d'autres films du genre beaucoup plus austère. Mais la religion n'est pas le thème principale du film. Les habitués savent mon incompréhension de toutes religions, je connais d'autant moins celle-ci mais cela amène, paradoxalement, souvent une sorte de fascination pour ce genre de film. C'est encore le cas cette fois-ci. Le poids de la religion est bien sûr très présent ici. Mais il s'agit plus du poids de la tradition, de la famille. L'intrigue qui se trame autour de la jeune Shira a pour but de ne pas laisser échapper le nouveau-né de sa sœur défunte plutôt qu'un quelconque motif religieux. Il est donc plus question de culpabilité, de sacrifice et surtout d'amour, que de tradition et de soumission. Pour cela la réalisatrice Rama Burshtein, dont c'est le premier long métrage, arrive, par une écriture simple et fluide, tout comme sa caméra, au plus près des visages, à nous rendre attachants d'entrée tous ses personnages. On comprend facilement leurs motivations et leurs craintes. D’intérêts financiers, en grand-mère qui ne veut pas perdre son premier petit-fils, de la vieille fille qui manigance pour se faire épouser, à la jeune femme maladroite parce qu'impatiente de vivre, ce n'est donc finalement qu'une simple histoire de famille. La jeune héroïne est interprétée avec beaucoup de douceur, de délicatesse et de talent par la jeune Hadas Yaron (prix d'interprétation à Venise cette année pour ce rôle). On retrouve aussi Yiftach Klein, le très sexy et viril flic de Le policier, toujours aussi séduisant malgré la barbe et les papillotes. Ils sont formidables tout en non-dits, sentiments refoulés et émotions cachées.

Au final, Le cœur a ses raisons (quel horrible titre français qui fait surtout penser à la délirante série québécois, le titre anglais Fill the void «combler le vide» est beaucoup plus explicite) est très attachant et très émouvant, voir presque fascinant. Bien écrit, réalisé avec tact et sensibilité, parfaitement interprété, il nous fait donc passer un très bon moment et prouve une fois de plus de la vitalité et de la bonne forme du cinéma israélien. Une belle petite surprise.

Ellis et Neckbone, 14 ans, découvrent lors d’une de leurs escapades quotidiennes, un homme réfugié sur une île au milieu du Mississipi. C’est Mud : un serpent tatoué sur le bras, un flingue et une chemise porte-bonheur. Mud, c’est aussi un homme qui croit en l’amour, une croyance à laquelle Ellis a désespérément besoin de se raccrocher pour tenter d’oublier les tensions quotidiennes entre ses parents...

Après le succès public et critique de Take Shelter début 2012, on était curieux et impatient de voir ce qu'allait nous offrir Jeff Nichols. A cause d'un accueil mitigé à Cannes 2012 (d'où il est reparti bredouille), le film arrive seulement maintenant sur nos écrans. Après un drame apocalyptique, il change de registre pour nous emmener en balade sur les rives du Mississippi. Voilà un film qui sort, à mon goût, de l'ordinaire, se plaçant au-dessus d'une production hollywoodienne aseptisée et calibrée. Une vision différente de l'Amérique que l'on voit (de moins en moins) dans certains films indépendants. Nichols promène sa caméra douce-amère le long des rives du fleuve, terrain de jeu formidable mais dangereux, pour deux ados en manque de repères. Toute l'intrigue du film tourne autour de Ennis, formidable Tye Sheridan (The tree of life), en mal d'affection et d'une figure paternelle charismatique. Il va la trouver avec Mud, tueur en cavale (Matthew McConaughey, parfait, qui confirme son changement de cap et ses bonnes prestations récentes), le temps de quelques jours. Nichols scrute et fait évoluer chacun des personnages avec beaucoup de sensibilité et de douceur, sans jamais les juger, nous les rendant donc tous très attachants. Son scénario, finement écrit, et sa mise en scène, élégante et sobre, nous offrent un très beau moment, celui de l'apprentissage de la vie et du passage à l'âge adulte. Outre les deux acteurs principaux, on retrouve aussi Reese Whiterspoon (que je n'ai pas trouvé mauvaise pour la première fois, mais le rôle est peu étoffé), Sarah Paulson (Martha Marcy May Marlene, American Horror Story), l'excellent Sam Shepard et le délirant Michael Shannon dans un petit rôle, habitué du réalisateur, ici très calme.

Après Take Shelter, j'attendais beaucoup de ce nouveau film de Jeff Nichols. Zappant toute promotion et bande-annonce pour arriver vierge devant, mon attente a été largement comblée. Mud est de ces films où il faut se laisser embarquer sans résister et se laisser porter au fil du récit. Malgré les 2h10, on ne s'ennuie pas une seule minute et on en redemanderait encore. Un film simple et émouvant, un très beau conte contemporain sur l'enfance et l'amour, d'où l'on ressort avec un étrange sentiment de bonheur et de sérénité. Peut être est-ce cela la marque des grands films ?

Dans un univers extraordinaire vit un jeune homme ordinaire, Adam, qui tente de joindre les deux bouts dans un monde détruit par la guerre. Tout en luttant pour avancer dans la vie, il est hanté par le souvenir d’une belle jeune fille venant d’un monde d’abondance : Eden. Dans cet univers, son monde se trouve juste au-dessus de celui d’Adam - si près que lorsqu’il regarde vers le ciel, il peut voir ses villes étincelantes et ses champs fleuris. Mais cette proximité est trompeuse : l’entrée dans son monde est strictement interdite et la gravité de la planète d’Eden rend toute tentative extrêmement périlleuse.

Sur l'affiche on nous annonce à la fois du Roméo et Juliette et du Inception. On est certes plus proche du premier que du second. Mais n'est pas Shakespeare ou Nolan qui veut. Juan Solanas, dont c'est le deuxième film, n'est ni l'un ni l'autre, vous l'aurez compris. Si l'idée n'est pas mauvaise, le traitement est quant à lui complètement tarte. D'aucun y verront une belle histoire d'amour et un conte futuriste, quand d'autres (comme moi) qu'une comédie romantique gnan-gnan et cul-cul la praline au possible. Le réalisateur n'exploite pas du tout l'univers qu'il a créé. C'est dommage car il est pourtant très intéressant. La dualité entre les gens d'en haut et ceux d'en bas, les riches et les pauvres, la lumière et l'obscurité, une vraie parabole de notre société...Mais non, tout cela ne sert que la romance amoureuse dont on a strictement rien à faire. De plus les acteurs, Jim Sturgess et Kirsten Dunst ne sont pas spécialement bons, seul Timothy Spall s'en sort honorablement. Aussi raté sur le fond, que réussi sur la forme. La prouesse technique est à noter mais Upside Down reste quand même tout à fait dispensable...

Après plusieurs années passées à profiter de la vie à San Francisco, Jesse, un jeune gay, s’apprête à retourner dans son Midwest natal. Lors de son dernier week-end en ville, ses amis, colocataires et ex-amants organisent une soirée de départ, qui l’entraine dans des sentiments doux-amers. Tiraillé entre ses ambitions artistiques et le besoin de gagner sa vie, il est forcé de concevoir différemment le fait d’être un artiste, un homosexuel et un adulte.

Tiens, je n'ai rien à raconter, donc je vais mettre des scènes de sexe non simulé dans mon film (très à la mode en ce moment, voir Clip), au moins ça fera vendre quelques places...Voilà sans doute ce qu'a du se dire Travis Mathews le réalisateur de ce I want you love en se touchant derrière sa caméra. Pour le coup Week-end, à qui on pense beaucoup, passe pour un chef d'oeuvre. Et sans porno. Car c'est bien ce qu'on a ici, du porno. Avec quelques scènes très bavardes autour où personne ne dit rien. Si encore les personnages étaient attachants ou s'ils dégageaient un tant soit peu d'émotion, quelle qu'elle soit. Mais là rien. Au final on se retrouve devant un pseudo film indépendant totalement vide mais racoleur et un vrai film de boules. C'est produit par une boite de films de cul, on comprend donc pourquoi...Autant rester chez soi pour le même résultat en deux minutes sur le net...Circulez y a rien à voir donc...

Le film du mois

Le réalisateur du mois

pour 
L'acteur du mois

 pour 

pour

Le coup de ♥ du mois      La bonne surprise du mois

  21 Films vus :

4*♥

4*

3,5*  

3*

2,5*

2*

1,5*

1*

0,5*

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Mélanie passe ses vacances d’été dans un centre d’amaigrissement très strict. Entre les activités sportives, les conseils nutritionnels, les batailles d’oreillers et les premières cigarettes, elle tombe sous le charme du directeur du centre, un médecin de 40 ans son aîné...

Après Amour et Foi voici donc Espoir, le dernier volet de la trilogie Paradis de Ulrich Seidl. Plus court, moins dérangeant, ce dernier opus clôt la série avec beaucoup plus de légèreté. Le propos y est beaucoup moins malsain que dans les deux autres films. Même si la relation entre Mélanie (fille de Teresa de Amour et nièce de Anna Maria de Foi) et le médecin du centre est quelque peu trouble. J'ai trouvé Seidl très agaçant sur le scénario et le montage : il coupe les scènes quand cela devient vraiment intéressant et nous laisse, frustré, nous dépatouiller avec ce qui a bien pu se passer ensuite...L'actrice principale est une fois de plus formidable, la jeune Melanie Lenz est très émouvante entre son surpoids et son amour pour le docteur. La mise en scène de Seidl est toujours aussi virtuose, même si, sujet oblige, sans doute moins marquante. Une intrigue et un film finalement beaucoup plus convenu que les deux premières parties. Même si les questions, les affres de l'adolescence et les émois d'un premier amour sont finement évoqués. Le réalisateur s'est peut être juste offert une petit bouffée d'air frais après les mises en apnée qu'ont été Amour et Foi. Il devait à l'origine ne sortir qu'un seul et même film de cinq heures réunissant les trois histoires. Vu la dureté du propos, cela aurait été intéressant de voir pour quelle construction il aurait opté mais cela n'aurait peut être pas été très digeste (je garde toujours un souvenir particulier des 4h26mns de projection des Mystères de Lisbonne). Au final, on assiste là à une expérience cinématographique puissante et qui sort vraiment de l'ordinaire. Ma préférence pour les films va pour l'ordre de sortie : Amour est le plus fort et dérangeant, Foi met mal à l'aise à un degré moindre et Espoir reste plutôt anecdotique. Ulrich Seidl est en tout cas un metteur en scène à suivre. On va attendre beaucoup de lui, voyons maintenant comment il va se relever de tout cela...

Après la mort de son père dans un étrange accident de voiture, India, une adolescente, voit un oncle dont elle ignorait l’existence, venir s’installer avec elle et sa mère. Rapidement, la jeune fille se met à soupçonner l’homme d’avoir d’autres motivations que celle de les aider. La méfiance s’installe, mais l’attirance aussi…

Voilà un des films que j'attendais le plus cette année. Park Chan-Wook nous avait déjà offert les chefs d'oeuvres Old boy et Thirst. J'avais par contre beaucoup moins aimé Je suis un cyborg (et devrait voir enfin sous peu Lady Vengeance, merci Fab :). Comment parler d'un film qui vous a tellement emballé et subjugué ? Je n'ai pas la plume de certains, ce sera donc simplement. D'entrée, on est séduit par la beauté du générique. Tout le film sera à son image : d'une beauté visuelle époustouflante. Il faut noter que le travail sur le son est tout aussi splendide et que l'ambiance sonore est très important pour l'intrigue. Comme à son habitude chez le réalisateur, la mise en scène est d'une rare virtuosité. Une trouvaille et une merveille à chaque plan. La direction artistique est sans nul doute la plus belle que l'on ai vu depuis longtemps. Le travail sur les costumes, les décors, le montage est un sans faute, la photo est donc juste splendide, sans parler de la musique de Clint Mansell agrémentée de quelques partitions de Philip Glass. Chan-Wook a su allié le scénario intriguant et intelligent (convenu diront les esprits chagrin) de Wenworth «Prison break» Miller à une technique parfaite faisant quand même de ce premier essai hollywoodien un vrai film asiatique. Remplacez le casting anglo-saxon par un casting sud-coréen et vous aurez la même chose. De belles images sans une bonne histoire ne reste qu'une belle coquille vide. On en a heureusement donc aussi pour son argent côté récit. D'entrée l'ambiance est lourde, glissant rapidement vers le glauque et le pesant. Le côté horrifique et surnaturel donne à l'ensemble un surplus d'intrigue. Le film est bourré d’ellipses et de métaphores, sans parler des multiples références (des contes de Grimm à Hitchcock, hommage avoué). Secret de famille, deuil, passage à l'âge adulte, désir, inceste...de nombreux thèmes sont ainsi abordés, finement entremêlés pour nous donner un suspens aussi haletant que dérangeant. Le casting et l'interprétation sont à la hauteur de l'entreprise. Le rôle titre échoit à Mia Wasikowska (The kids are all right, Albert Nobbs, Restless...). Avec son air tout droit sorti de la famille Adams, elle y est formidable. Face à elle, l'inquiétant Matthew Goode (Watchmen, A single man) est tout aussi excellent. Dans le rôle de la mère, on retrouve Nicole Kidman. Avec son visage de plastique et son air de plus en plus raide et coincé elle est vraiment parfaite pour le rôle (qui n'est finalement que secondaire). Avec aussi l'excellente Jacki Weaver (Animal Kingdom, Happiness therapy), Dermot Mulroney (le père), Alden Ehrenreich (Twixt, Sublimes créatures), Phyllis Somerville (The big C) et même Judith Godrèche.

Stoker s'avère donc être une expérience sensorielle et visuelle de haut vol qui marquera l'année cinématographique. Mise en scène virtuose et puissante, technique parfaite. Un film aussi jubilatoire sur la forme que sur le fond. Contrairement à beaucoup d'autres metteurs en scène étrangers et notamment asiatiques, Park Chan-Wook réussit son passage à Hollywood et signe un très grand film. Mon préféré de l'année pour l'instant avec Django Unchained... 

Mia a déjà connu pas mal de galères dans sa vie, et elle est décidée à en finir une bonne fois pour toutes avec ses addictions. Pour réussir à se sevrer de tout, elle demande à son frère David, sa petite amie Natalie et deux amis d’enfance, Olivia et Eric, de l’accompagner dans la cabane familiale perdue au fond des bois. Dans la cabane isolée, les jeunes gens découvrent un étrange autel, et surtout un livre très ancien, dont Eric commet l’erreur de lire un passage à haute voix. Les plus épouvantables des forces vont se déchaîner sur eux…

La plupart de ceux qui liront cet article n'étaient pas nés quand Evil Dead est sorti en 1981. Quelques autres ont tremblé en bravant l'interdiction aux moins de 12 ans pour finir par hurler avec tout le monde devant ce film qui a révolutionné l'horreur. Sam Raimi et Bruce Campbell (réalisateur et acteur principal de l'époque, producteurs ici) sont aujourd'hui à l'origine de ce remake, pour une fois, très réussi. Pour être franc, je me souviens très peu de l'histoire d'origine, mais celle-ci est effrayante à souhait. L’intérêt principal de ce nouveau film réside dans les scènes gores qui sont parfaitement réussies. De visages en lambeaux en membres arrachés, rien ne nous est épargné et c'est particulièrement insoutenable. La mise en scène de l'uruguayen Fede Alvarez, dont c'est le premier long métrage, est à la hauteur. Après une scène d'ouverture qui donne le ton, cela se calme un peu et l'action prend le temps de présenter les personnages. Mais pas le temps de s'ennuyer, une fois que c'est parti, l'horreur monte crescendo jusqu'à un final spectaculaire de feu et de sang. Les effets spéciaux sont presque tous mécaniques, cela donne quelque chose de vraiment naturel, on s'y croirait. La photo est très belle, tout comme la musique (parfois un peu envahissante). Les acteurs sont quelconques mais ne déméritent pas. Au final, on passe un moment assez jubilatoire devant le meilleur film d'horreur et de gore que l'on ai vu depuis bien longtemps. Une fois n'est pas coutume, c'est un remake et je vous le conseille. C'est tout de même interdit aux moins de 16 ans et, il est vrai, plutôt réservé à un public averti et aux amateurs du genre...

Son Paradis, c'est Jésus. Anna Maria, une femme d'une cinquantaine d'années a décidé de consacrer ses vacances d'été à prêcher l'amour du Christ. Accompagnée de la statue de la Vierge, elle sillonne son voisinage. Mais sa vie bascule quand, après des années d'absence, son mari, musulman, revient d'Egypte... Une lutte intérieure s'engage alors pour Anna Maria entre son mariage et la Foi inconditionnelle qu'elle porte à Jésus.

Après le choc Paradis : amour, voici le deuxième volet de la trilogie Paradis du cinéaste autrichien Ulrich Seidl. L'histoire est bien sûr totalement différente mais sur la forme pas de changement. Une mise en scène aussi minimaliste et maîtrisée que pour le premier volet, aussi cinglante que les coups de fouet que Anna Maria s'impose. Mais le cheminement, pour nous spectateur (enfin pour moi), est bien différent. J'ai d'abord été agacé par cette femme, puis elle m'a fait rire, puis j'ai eu pitié d'elle. Enfin, elle m'a mis de plus en plus mal à l'aise au fur et à mesure du déroulement du récit. Voilà un scénario peu banal qui en dit long sur les ravages que la foi peut provoquer. Ne comprenant pas moi-même le principe même de la religion, quelle qu'elle soit, je ne vois que cela : c'est un esprit simple basculant dans un délire fanatique après s'être retrouvée seule. Cela amène d'abord, paradoxalement, des scènes plutôt cocasses, voir drôles. Pour basculer de plus en plus dans une violence et un malaise très particulier. Et cette obsession à vouloir absolument évangéliser, convertir les gens...ou les exorciser. La scène avec la jeune immigrée russe n'a rien à envier aux meilleurs films d'exorcisme. Maria Hofstatter est extraordinaire. Elle est vraiment habitée et porte avec force et conviction tout le film sur ses épaules. Il faut mieux, elle est de pratiquement toutes les scènes (et, ce qui n'a rien à voir, je trouve qu'elle ressemble beaucoup à Valérie Lemercier...). Nabil Saleh, le mari, comédien non-professionnel, est lui aussi étonnant.

Paradis : foi est différent de Paradis : amour et sans doute un peu moins fort. On y retrouve cette même misère affective et sexuelle chez les deux protagonistes (qui sont sœurs), Seidl ne les jugent toujours pas (les personnages sont toujours aussi peu « aimables »), il les montre simplement. C'est sans doute encore plus sec et plus aride, plus radical. Mais toujours puissant et dérangeant. On en sort, pour des raisons différentes donc, tout aussi ébranlé. Plus j'y pense et plus il me hante. Beaucoup plus complexe qu'il n'y paraît au premier abord, voilà un film qui ne peut laisser indifférent, qui va sans doute diviser et qui amène à réfléchir une fois de plus sur la nature humaine...Le triptyque Paradis se continue donc avec un intérêt intact et un même bonheur de cinéma. Reste l'Espoir...

La rencontre d'un trio de marginaux, composé d'un émigré russe, d'une transsexuelle et d'un jeune Maghrébin, dans le Paris contemporain, et l'amour qui naît entre eux. Leur alliance sera d'autant plus forte qu'elle se déroulera sur fond de clandestinité et de mort.

De Sébastien Lifshitz j'avais déjà vu Presque rien, Plein Sud et Les Invisibles. Wild Side est son troisième long métrage sorti en 2004 et primé à Berlin. Je dois dire que je n'ai pas vraiment adhéré. C'est d'un glauque et d'une noirceur totalement déprimant, je n'y ai ressenti aucune émotion. Pourtant le film ne manque pas de qualités. C'est plutôt bien interprété. Les images d'Agnès Godard sont absolument somptueuse et la musique de Jocelyn Pook magnifique. Mais trop de noirceur tue la noirceur, et même si une lueur d'espoir pointe à la fin, on a qu'une envie après l'avoir vu c'est d'aller se jeter dans la Seine...

1961. La philosophe juive allemande Hannah Arendt est envoyée à Jérusalem par le New Yorker pour couvrir le procès d’Adolf Eichmann, responsable de la déportation de millions de juifs. Les articles qu’elle publie et sa théorie de “La banalité du mal” déclenchent une controverse sans précédent. Son obstination et l’exigence de sa pensée se heurtent à l’incompréhension de ses proches et provoquent son isolement.

Ce nouveau film de la cinéaste allemande Margarethe Von Trotta souffre exactement du même syndrome que le dernier Spielberg. L'académisme de la mise en scène est parfaitement contre-balancé par l'intérêt du sujet. Cet épisode de la vie de cette philosophe américaine d'origine allemande et la controverse qui a suivi la publication de ces écrits suite au procès de Eichmann, sont assez passionnants. Bien qu'académique cette réalisation est malgré tout très solide, la reconstitution de l'époque est réussie bien que discrète. Un beau travail sur les costumes et les décors ainsi que sur la photo. Le scénario est finement et intelligemment écrit. On apprend beaucoup de choses sur cette période de « chasse des nazis ». Le procès en lui-même est peu présent. Je ne vois pas trop l'intérêt d'y avoir mélangé de vraies images d'archives en noir et blanc du SS dans sa cage de verre. Les réactions de Hannah dans la salle de presse devant la retransmission télé et juste la voix de l'accusé auraient peut être eu plus d'impact. L'ensemble est donc très solide mais sublimé par l'interprétation fascinante et habitée de Barbara Sukowa. Elle est parfaite, avec en point d'orgue une scène magnifique où elle doit se justifier de ces écrits devant un amphithéâtre plein de ses élèves et de sa hiérarchie. L'ensemble du casting, où l'on retrouve Janet McTeer (bien plus féminine que dans Albert Nobbs), est aussi très bien.

Margarethe Von Trotta nous offre donc avec ce nouveau film un très beau portrait de femme, tout en relatant avec sobriété une des pages les plus sombres de l'Histoire. Très élégant sur la forme, bien que classique, Hannah Arendt s'avère donc être aussi très intéressant sur le fond, si ce n'est passionnant. Un très beau film.

Jasna, une adolescente de 16 ans, s’ennuie dans sa petite ville en périphérie de Belgrade, entre les cours du lycée et la vie chez elle, où ses parents n’arrivent plus à dialoguer avec elle. Comme les autres jeunes de son âge, ses seules préoccupations sont de faire la fête, de rencontrer des garçons et de se filmer en permanence avec son téléphone portable...

Voilà le film qui relègue définitivement Spring Breakers au rang de film pour enfants ! C'est peu de dire que l'on en sort quelque peu décontenancé. Certes le propos, les dialogues et les images sont crus (et carrément pornographique), mais ce n'est pas le plus gênant. Le problème est de comprendre l'intérêt de la chose. Pour dresser ce portrait sans concession de la jeunesse serbe (et des ados en général), fallait-il absolument nous imposer des sexes en érection, des fellations, des éjaculations ou autre rasage de minou, à tout bout de champ ? Nombre de films par le passé démontrent que suggérer est bien plus efficace que de montrer. Clip, premier film de la jeune réalisatrice serbe Maja Milos, a donc un problème entre le fond et la forme. La même chose sans ces scènes de sexe explicites auraient sans doute eu le même impact émotionnel sans nous donner ce sentiment de malaise et de voyeurisme. A côté de cela, la mise en scène est forte, fiévreuse et dure comme l'est cette vie d'ado que la jeune héroïne s'impose. Fuir ses parents, délaisser les études et tout faire pour plaire au garçon dont elle est tombée amoureuse, dans une banlieue de Belgrade qui ne donne pas vraiment envie. On pense beaucoup, évidemment, aux films de Larry Clark (Kids et Ken Park m'ont beaucoup marqué). Jasna est interprétée de façon assez bluffante par la jeune Isidora Simijonovic. Un rôle fort et complexe qu'on ne peut se permettre en principe qu'en début de carrière. Elle est juste hallucinante.

On en sort donc plus mal à l'aise que bouleversé. Même si la fin d'une grande violence, nous laisse, paradoxalement, sur une lueur d'espoir. On reste en tout cas perplexe sur ce que l'on vient de voir et sur cette génération abreuvée de sexe, de violence, d'alcool et de drogue par la télévision et surtout internet sans que personne n'y fasse grand chose. Abandon de la famille, des enseignants, des pouvoirs publics ? Un constat terrible qui peut prendre place dans n'importe quel pays aujourd'hui. Pas très rassurant sur l'état de la jeunesse. Un film tout de même passablement dérangeant et à ne pas mettre devant tous les yeux (interdit au moins de 16 ans avec avertissement)...

L’histoire surréelle et poétique d’un jeune homme idéaliste et inventif, Colin, qui rencontre Chloé, une jeune femme semblant être l’incarnation d’un blues de Duke Ellington. Leur mariage idyllique tourne à l’amertume quand Chloé tombe malade d’un nénuphar qui grandit dans son poumon. Pour payer ses soins, dans un Paris fantasmatique, Colin doit travailler dans des conditions de plus en plus absurdes, pendant qu’autour d’eux leur appartement se dégrade et que leur groupe d’amis, dont le talentueux Nicolas, et Chick, fanatique du philosophe Jean-Sol Partre, se délite.

Comme des générations de collégiens, j'ai lu L'écume des jours à l'adolescence. Contrairement à d'autres lectures de cette époque il ne m'en est pas resté grand chose. Je n'avais pas trop aimé je crois. Comme beaucoup d'autres aujourd'hui, j'aime le cinéma de Michel Gondry : original et inventif, avec un univers bien à lui. Malheureusement, le mélange des deux n'a pas pris (pour moi). D'entrée le film m'a gonflé et m'a à la fois énervé et ennuyé (et ce jusqu'au bout des 2h05 interminables). Comme une désagréable impression que le réalisateur s'auto-parodie. Ce qui passait bien dans La science des rêves ne fonctionne pas du tout ici. Cette sorte de poésie loufoque, colorée et décalée qui aurait pourtant pu très bien s'accorder à l’imaginaire du roman de Boris Vian. Gondry a tout misé sur la forme en délaissant totalement le fond. Mais trop d'effets tue l'effet. On l'entend presque nous dire : « regardez mes beaux effets spéciaux, regardez mes trouvailles de mise en scène, et ces effets de style, et ce montage ingénieux » etc, etc. La surcharge d'effets spéciaux en devient écœurante. La technique prend donc le pas sur le récit dont on finit très vite par complètement se désintéresser. Les personnages sont à peine esquissés, ils ne sont pas du tout attachants et n'ont aucune épaisseur. Mais le plus important pour une telle histoire d'amour tragique est qu'il n'y a pas une once d'émotion. Et ça, c'est assez incompréhensible de la part du réalisateur du chef-d'œuvre Eternal sunshine of the spotless mind. Pour compléter le tout, la direction d'acteurs a aussi disparu avec l'eau du bain. Les acteurs ne sont même pas bons (Duris et Tautou ne sont pas crédibles, El Maleh et Sy sans commentaire, Aïssa Maïga et Charlotte Le Bon sont là pour le décor...). Au final, nous sommes là devant une coquille (même pas spécialement belle) complètement vide. Michel Gondry nous avait un peu surpris l'an dernier avec son dernier film américain The we and the I. Il ferait peut être mieux de continuer dans cette voie, car pour les délires poétiques il semble avoir bien perdu la main. Dommage. L'écume des jours est juste un beau gâchis...

Une jeune manucure belge, Carole, travaille et vit à Londres avec sa sœur Hélène... Recluse, elle bascule dans la schizophrénie, et devient hantée par des bruits…

Un Polanski que je n'avais jamais vu. Ce thriller horrifique de 1965 a plutôt bien vieilli, c'est très efficace. Un quasi huit-clos où Catherine Deneuve excelle. Je l'ai trouvé vraiment très bien. Entre Les parapluies de Cherbourg et Les demoiselles de Rochefort une vraie prise de risque à l'époque... Un film qui a bien traversé les époques. Bien schizo et assez flippant...